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Exploring a wealth of rhythmic and melodic motifs: Interactive music session for and with Montessori teachers – Zurich

At the invitation of Christine Urand (Director, Rietberg Montessori School) Ludwig Pesch took the full assembly of teachers on a musical journey across South India: exploring a wealth of rhythmic and melodic motifs suitable for young learners while enabling parents, teachers and care-givers to enjoy music making themselves (even as “lay people”, musically speaking).

This event was also an occasion to explore and discuss the scope for actively participating in an intercultural dialogue, something the presenter has long been known for, while paying homage to Maria Montessori (*): be it as contributor to ISME World Conferences or in association with educational and cultural institutions across the entire spectrum: teacher training, kindergarten, schools, rehabilitation just as staff integration programmes; conservatoria and universities in several countries; and creative projects developed in association with the Goethe Institute and exhibition makers at internationally renowned museums.

Date: 1 March 2018. Events on similar lines have been developed in conjunction with Museum Rietberg (Zurich) on the occasion of exhibitions of rare Indian art (in collaboration with art education staff).

Deutsch: Eine musikalische Reise für alle >>

* From 1939 until 1947 Dr. Maria Montessori worked closely with Rukmini Devi, founder of Kalakshetra (est. in 1936 in Adyar/Madras, now part of Chennai), an institution established for the integration of India’s cultural heritage and learning. Kalakshetra stands for an integrated approach to education all realms education – social, economic, crafts and performing arts, being both inspired and guided by India’s first Nobel Laureate Rabindranath Tagore whose  pioneering concept for informal learning was first tested and further developed at Santiniketan (“abode of peace”).

These pioneering efforts remain as relevant today as in the early 20th century when Maria Montessori and her associates realized that true education is more than a tool for succeeding in life as an individual or member of one’s own society: it is the very key to world peace and social justice (see, for example, her 1932 “Peace and Education” lecture published by the International Bureau of Education, Geneva).

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Eine musikalische Reise – für alle!

Eine musikalische Reise durch Südindien

Die Musik des südlichen Indien birgt viele Geheimnisse, aber soviel sei hier schon verraten: ihre Vielfalt verdankt sie der Lebensfreude und Mobilität von Menschen aus vielen Epochen und Regionen. Und weil dort recht unterschiedliche Kulturen zusammenfliessen eignet sie sich ganz besonders zum spontanen, gemeinsamen Musizieren – auch ganz ohne Vorkenntnisse!

Dazu nimmt uns der in Chennai ausgebildete, in Amsterdam lebende Flötist und Musikpädagoge Ludwig Pesch mit auf eine musikalische Reise. Für seine “Vermittlung von Geist und Leben Indiens” wurden ihm gleich zwei Kulturpreise verliehen.

Reise- und Lernziele

  • Tiere schenken Töne (Karnataka)
  • Innehalten: vom Klang des Glücks (Andhra Pradesh)
  • Frische Farben, forsche Formen (Kerala)
  • Zahlen, die klingen und swingen (Tamil Nadu)

Wie bei uns haben regionale Traditionen viel zur gemeinschaftlichen Kultur Indiens beigetragen. Zugleich ist jeder einzelnen auch etwas Besonderes zu eigen. Facetten, die auch unser Leben und Lernen bereichern können, sind Thema dieser musikalischen Reise.

Mehr über die “karnatische” Musik Südindiens mit interaktiver Landkarte >>

Dieses interkulturelle Programm wird den jeweiligen Altersgruppen und besonderen Möglichkeiten vor Ort angepasst. Es ist überall –  bei gutem Wetter auch im Freien – ohne technischen Aufwand realisierbar. Zur aktiven Beteiligung genügend Hände und Stimme.

Zeitlicher Rahmen: die kurze Variante entspricht einer Unterrichtsstunde, die längere ist ein Workshop für Kinder mit Eltern (Museum- und Sonderpädagogik), für Schüler oder Erwachsene. Dabei steht eine fantasievolle Übertragung von Rhythmen und Melodien in Bewegung und Bild zentral. Auf Wunsch wird gemeinsam mit Lehrern bzw. Betreuern ein zum Lehrplan, einem bestimmten Anlass oder einer Ausstellung passendes Programm zusammengestellt.

Die ganztägige Reise klingt vorzugsweise mit einer gemeinsamen Darbietung für Angehörige aus.

Kosten: nach Absprache – Honorar und Reisekostenerstattung mit Unterkunft gemäß ortsüblichen Standards.

Illustrationen: V.C. Arun

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Indian music in intercultural education – ISME Glasgow 2016

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Whatever we understand and enjoy in human products instantly becomes ours, wherever they might have their origin – Rabindranath Tagore*

During this presentation, musical figures from several distinct traditions were explored in a practice-oriented manner. The figures selected are appealing beyond South Asia where they originated many centuries ago and continue to play a key role in classical and applied music.

Our shared goal was to enable young and old to collaborate in a memorable learning process that blends seemlessly into any chosen subject, academic and otherwise.

The criteria for selecting a particular figure were (1) its flexibility as for combining it with another subject, for instance mathematics, geography or history; (2) its appeal going by prior experience with learners from different age groups; and (3) its scope for variation, movement, visualisation and analysis in accordance with learners’ specific needs and abilities.

Click on the above image to view or download and print a sample lesson for free (PDF with mp3 audio and other links)
Click here to view or download and print a sample lesson for free (PDF with mp3 audio and other links)

Scope

As part of integrated music education, Indian music enables even complete strangers to share a useful learning process. This calls for a natural and playful approach to melody, rhythm, hand signs and body movement. In this manner we are prepared to include newcomers – children and adults lacking a common language – to instantly participate in music.

Indian music is valued for fostering memory, analytical thinking, concentration, and cooperation among peers. Its basic concepts are exhilarating and liberating whether or not there is scope for studying Indian culture in its own right. This is a boon in circumstances where verbal or written instructions fail to engage learners. Rather than resigning in the face of such formidable challenges, educators are free to experiment and spread solidarity through instant inclusion – the essential joy of “creating” music oneself. This aspect addresses a common fear among learners, namely to be left behind (again!), be it in music or other subjects – a fear that is all too often justified in competitive modern society.

To help educators to overcome such fears, we build lessons around simple figures that bind tunes, rhythms and movements together into a rounded whole. Some of these may appear familiar enough to “break the ice” if needed; and others are so fresh and mind-boggling as to trigger further experimentation among peers in informal settings – anywhere and anytime. For this to happen, we dispense with technical resources of any kind.

Adaptation is the key to rapidly changing learning scenarios wherein cultural stereotyping, a known stumbling block for educators all over the world, must be overcome. This is easily achieved by integrating Indian music into discussions of academic concepts, or by letting its rhythms enrich social and outdoor activities. Such activities are by definition location specific and all-inclusive.

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Educators from Canada, Finland, Germany, Hungary, India, Singapore and Switzerland were among the eleven participants in this one-hour session. They explored a time proven method suited to the needs of a wide range of abilities and learning goals; and this irrespective of participants’ cultural roots.

Date: 28 July 2016 | photos by courtesy of Dr. Tony Makarome, Yong Siew Toh Conservatory Singapore

More information

*Rabindranath Tagore in a letter to C.F. Andrews; quoted by Amartya Sen in The Argumentative Indian: Writings on Indian History, Culture and Identity. London: Penguin, 2005, p. 86.

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Contribution to the world conference of the International Society for Music Education in Glasgow – ISME 2016

“Yours figuratively: Indian music in intercultural education”

Abstract

Music counts among the proverbial “64 arts and skills” of ancient India where it became synonymous with “leading a fulfilled life”. Thus, having evolved along with other pursuits, Indian music is an interdisciplinary concept that connects people irrespective of age and cultural background. It is in this context that we explore the world of musical figures: figures that convey subtle meaning while symbolizing the very joy of participating in music making of a high order.  Rather than borrowing sounds from a supposedly exotic culture, we apply the building blocks of Indian music for several good reasons: for their accessibility in the context of intercultural education and, of course, for their intrinsic value and beauty.

Learners tap into the mind-boggling world of India’s musical ideas. Tiny musical figures are adapted in a manner that has stood the test of time. While being fun on first hearing they also lend themselves to being visualized and analyzed for non-musical purposes.

This teaching method lends itself to classroom and lifelong learning across the entire social spectrum: it adds colour to other school subjects like maths, languages, geography or physical fitness; and requiring no more than voices, hands and open-mindedness, it kindles communication where there is a lack of time and resources, or even a common language. Figuratively yours, ours truly!

Ludwig Pesch studied at Freiburg University from where he went to India in order to be trained and perform as bamboo flautist. Since then he develops intercultural activities that suit the needs of children, music students and teachers; and also for museum education (e.g. family programmes for Museum Rietberg Zurich in conjunction with Indian art exhibitions).

He authored The Oxford Illustrated Companion to South Indian Classical Music and among other writings, contributed to the journal of the Gesellschaft für Musikforschung (Goettingen University “Music | Musics. Structures and Processes“) and to Integrated Music Education. Challenges for Teaching and Teacher Training by M. Cslovjecsek and M. Zulauf, forthcoming). Among his research projects are “Sam, Reflection, Gathering Together!” (Bern University of the Arts in collaboration with Natanakairali, Research and Performing Center for Traditional Arts in Kerala). His ideas on collaborative work are summarized by the acronym AIUME for “Adapting Indian Universals in Music Education”. (www.aiume.org)

Find publications by Ludwig Pesch on worldcat.org >> >>

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Bambusquerflöte & Tambura (Konzert mit Workshop) – Deutsch-Indische Gesellschaft

Ludwig Pesch (Bambusquerflöte) & Arnulf Merckens (Tambura)

Datum: Di 8. April 2014 (19:00)

Ort: Kulturzentrum KoKi (Pumpe) Raum 1, Haßstraße 22, 24103 Kiel – Anfahrt

Veranstalter: Deutsch-Indische Gesellschaft Kiel e.V. – digkiel@googlemail.com

Die Musiker

Ludwig_Pesch_0726webLudwig Pesch (1955) spezialisierte sich auf die südindische Bambusquerflöte, als er am  Kalakshetra College bei Ramachandra Shastry (1906-92) studierte. Gemeinsam mit ihm konzertierte er bei zahlreichen Anlässen.

In Zusammenarbeit mit den Universitäten von Lüneburg und Würzburg entwickelte er e-Learning Angebote. Er verfasste das Handbuch The Oxford Illustrated Companion to South Indian Classical Music und gestaltet Programme, bei denen Gestaltungselemente aus der indischen Musik für den pädagogischen Alltag nutzbar gemacht werden. Mehr >>

Arnulf Merckens (1952) ist ein Schüler des Sitar-Spielers Ashraf Sharif Khan aus Lahore. Von 2000 bis 2007 erlernte er zunächst das Tambura- und Tablaspielen. Ab 2003 erhielt er auch Sitar- und Urdu-Unterricht von ihm. Er hat seinen Lehrer mehrfach bei Konzerten auf der Tambura begleitet.

Programm

In ihrem einstündigen Konzert präsentieren die Musiker eine Auswahl karnatischer Ragas und Kompositionen.

Anschließend bieten sie ihren Zuhörern die Gelegenheit zum informellen Austausch. Neben Fragen zum Konzert besteht die Möglichkeit, die Tambura auch selbst zu spielen sowie rhythmische Silben und die für Talas gebräuchlichen Finger- und Handgesten auszuprobieren.

Die Teilnahme am Workshop erfordert keinerlei Vorkenntnisse und ist für alle Altersgruppen geeignet.

Flute sculpture in Somnathpur (Karnataka) – Photo © Ludwig Pesch
Flute sculpture in Somnathpur (Karnataka) – Photo © Ludwig Pesch

Karnatische Musik

Südindien ist für seine melodische Musik und mitreißenden Rhythmen bekannt. Eine Musiklehre und auch die dort gebräuchliche Art des Musizierens lassen sich bis in das Altertum zurückverfolgen. Seither haben Maler, Bildhauer und die Autoren der klassischen Tamil- und Sanskritliteraturen gerne das Musizieren mit Instrumenten dargestellt. Gesang- und Instrumentalrepertoire sind so zu einem Ganzen verschmolzen.

Eine vergleichbare Auffassung liegt dem schöpferische Mitgestalten zugrunde. Musikschaffende, Amateurmusiker wie Musikliebhaber nehmen daran auch im “Internet-Zeitalter” teil – vielleicht mehr denn je.

Artikel zur südindischen Musik und ihrer Vermittlung 

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A Musical Lotus Pond – workshop at ISME 2012 World Conference

Markus_Lotuspond_IMG_5211Purpose
Probing the depths of Indian sounds and symbols both for their interdisciplinary potential and intrinsic value.

Content
We pool musical, visual and numerical motifs. Sounds, hand gestures and movements link two school subjects within a single session; and more subjects wherever this approach lends itself to being integrated into a curriculum.

Method
The “Musical Lotus Pond” is a biotope where beauty flourishes in unexpected ways. Each participant embellishes a sheet of paper containing numbers and shapes. These form the basis for musical activities. At the conclusion, the sheets are folded into small cones resembling the “school cones” traditionally used to entice European children to attend school. Children will spontaneously share their experiences with peers and family members.

Application for integrated education
Analytical thinking, self-expression and teamwork are cultivated. For this purpose, motifs derived from Indian music are combined with those belonging to subjects as diverse as visual arts, geography, biology, physical education and maths.

Pure maths is a religion and in the East, valued for more than merely its technical application – Novalis (1799)

Background information
Indian culture is permeated by synesthetic associations that make learning both enjoyable and (cost) effective. Moreover it fosters concentration and teamwork. It is therefore no coincidence that the ubiquitous lotus motif symbolizes the aspiration to rise above the ordinary and beyond predictability.
The presenters work with the motto “Adapting Indian Universals in Music Education” (AIUME); and this in response to the needs of children and music students. Contributions to exhibitions (e.g. Museum Rietberg Zürich and Royal Tropical Museum Amsterdam) complement their artistic and scholarly pursuits: one is a singer, composer and multi-instrumentalist; the other trained and performed as flautist in India, and authored The Oxford Illustrated Companion to South Indian Classical Music.

I surely know the hundred petals of a lotus will not remain closed for ever and the secret recess of its honey will be bared. – from Gitanjali by Nobel Awardee Rabindranath Tagore

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Raga und Tala in Südindien

Blockseminar für Studierende der University of Göttingen

Musicology | Kurze Geismarstr. 1 | 37073 Göttingen

  • Fr 4. Mai 2012 – 14.30-18.30 Uhr
  • Sa 5. Mai 2012 – 10.30-15.00 Uhr
  • Fr 11. Mai 2012 – 14.00-18.30 Uhr
  • Sa 12. Mai 2012 – 10.00-15.00 Uhr

Der Kurs bietet den TeilnehmerInnen die Gelegenheit, die Kunstmusik Südindiens zu studieren und hinterfragen. Deren kreatives Potential lässt sich  mittels systematischer Übungen jederzeit und überall – mit oder ohne Instrument – künstlerisch wie wissenschaftlich analysieren.

Die Vermittlung beruht dabei nur ausnahmsweise auf Notation. In der Regel kommt eine schon im 8. Jh. nachweisbare Methode zur Anwendung, die aus Solfège und mnemotechnischen Strategien besteht. Stimme und Handgesten umreissen musikalische Räume und Zeitabläufe während Texte, Bilder und Zahlen weitere Orientierungshilfen bieten. Seit der indischen Antike fördert dieser Ansatz das gemeinsame Musizieren und erleichtert auch Laien den Einstieg in eine hochdifferenzierte Musikpraxis.

Der für Lernende wie Ausführende gleichermassen verbindliche Rahmen wird von “Raga” (Melodie) und “Tala” (Rhythmus) vorgegeben. Die vorwiegend solistisch konzipierte Ausgestaltung im eng miteinander verknüpften Konzert-, Tempel- und Tanzrepertoire besteht aus Kunstliedern, Hymnen und virtuosen Darbietungen.

Seit dem frühen 19. Jh. wird eine Integration traditioneller Elemente in präzise wie virtuose Ensemble-Darbietungen bevorzugt. Ähnliche Entwicklungen lassen sich seit dem frühen 20. Jh. in ganz Indien auf die Begegnung mit der musikalischen Ideenwelt des Südens zurückführen. So haben V.N. Bhathkhande, der wohl prominenteste Musiktheoretiker und Erneuerer der “Hindustani Sangit” (nordindischer Kunstmusik), und der bengalische Dichter-Komponist Rabindranath Tagore nachhaltig zur weltweiten Verbreitung von Indiens Musik beigetragen. Dies geschah nicht zuletzt durch die Vermittlung virtuoser Interpreten wie Pannalal Ghosh, Ravi Shankar und Hariprasad Chaurasia und namhafte südindische Musiker wie Balamurali Krishna, N. Ramani, L. Subrahmanian und “Vicku” Vinayakram. Sie und andere Vertreter der “klassischen” wie “fusion”  Musik (vielfach in einer Person) betrachten sich selbstbewusst als Katalysten einer sich ständig erneuernden “Weltmusik”, die sich bisher wiederholt den Einordnungsversuchen westlicher Musiktheoretiker zu entziehen wusste: konventionelle wie traditionelle und moderne Instrumente einschliesslich Keyboard gelten inzwischen in ständig wechselnden Besetzungen (Jugalbandi) als gleichwertige Partner. Es ist also kein Zufall, dass die meist als “karnatische” bezeichnete Musik (Carnatic music) gerade bei Jazzmusikern Anklang findet.

Homepage der Universität >>

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Enrichir la collaboration interculturelle par la musique carnatique

Nous nous engageons à promouvoir la collaboration interculturelle et la créativité par la musique. Nos activités musicales ont enrichi la vie des enfants, des jeunes et des adultes pour qui la musique n’était jusqu’à présent qu’un rêve lointain: une musique mélodieuse et basée sur des rythmes envoûtants. Nous y plongeons avec aplomb, joyeusement et spontanément mais toujours ensemble.

La musique carnatique met l’accent sur la structure et l’improvisation. Elle est construite sur le râga, l’ensemble des notes utilisées, et le tâla, la rythmique utilisée. La tradition musicale de l’Inde du Sud est très ancienne.

Nous communiquerons avec vous par courriel le plus tôt possible suivant la réception de votre demande. Contact >>

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Global Music Academy – Berlin workshops and regular courses by Manickam Yogeswaran

Manickam Yogeswaran teaches the following courses at the Global Music Academy  campus:

  • “Tha Ka Dhi Mi” (solkattu and kanjira-drumming techniques)
  • “Tanam, Thanam Anantham – Schönheit und Freude am karnatischen Gesang“ (vocal lesson or workshop)
  • “Mridangam“ – das rhythmische Fundament südindischer Musik” (rhythm lesson or workshop)
  •  “Venu Ghanam” (flute lesson or workshop)

For dates and other details please contact the Global Music Academy:
Global Music Academy
Bergmannstraße 29
10961 Berlin
Tel. +49 (0)30 612 023 69
www.global-music-academy.net